menu
Pintor, escultor y grabador. Su trabajo oscila entre una diversidad de estilos y la estructuración o el replanteamiento de la imagen. La multiplicidad de recursos está presente en toda su obra, en el espesor, las gradaciones, las pinceladas y los contrastes. Circula entre un espacio diáfano y la superposición de planos.
Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, en la Ciudad de México. Ha realizado exposiciones individuales en Estados Unidos, Japón, Noruega, Canadá, Colombia, Bélgica y Francia. En México ha expuesto en el Museo de Arte Carrillo Gil (MACG), el Museo de Arte Moderno (MAM), el Museo Experimental El Eco, el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, entre otros. Ha participado en diversas bienales como la de La Habana, Cuba, y la de Cuenca, Ecuador.
Ha recibido diversas distinciones, entre otras, ha ganado dos veces la Bienal Nacional de Pintura Rufino Tamayo, y ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas del país y el extranjero, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Painter, sculptor, and engraver. His work oscillates between a diversity of styles and the structuring or rethinking of the image. The multiplicity of resources is present throughout his work, in the thickness, gradations, brushstrokes, and contrasts. Circulates between a clear space and overlapping planes.
He studied at the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, in Mexico City. He has made solo exhibitions in the United States, Japan, Norway, Canada, Colombia, Belgium and France. In Mexico, he has exhibited at the Carrillo Gil Art Museum (MACG), the Museum of Modern Art (MAM), the Experimental Museum El Eco, and the Museum of Arts of the University of Guadalajara, among others. He has participated in various biennials such as Havana, Cuba, and Cuenca, Ecuador.
He has received various distinctions, among others, he has twice won the Rufino Tamayo National Painting Biennial and has been a member of the National System of Art Creators. His work is in public and private collections at home and abroad, such as the Museum of Modern Art in New York.
%20(1).png)
Hijo de un padre herrero y su madre repostera; con acercamientos a la orfebrería y la mecánica automotriz (oficios presentes en la familia) son elementos que Iván Estrada ancla a su interés dentro de las artes. Mediante su obra propone una revisión en la materia industrial y objetos naturales con la que muestra los hilos conductores que existen hacia el arte y como estos no limitan sus posibilidades de transformación. Sus piezas, basadas en procesos de producción de ambos campos revelan la condición física y visual de cada elemento influenciados por pasajes de la memoria. Con un gran interés en la materia procedente y recuperada de la metalurgia y diversas fuentes mecánicas, su trabajo llega a la geometría básica bidimensional y abre posibilidades tridimensionales. Dando espacio y oportunidad con ciertos procesos a formas y resultados aleatorios a los que el control no siempre tiene acceso.
Cursó la carrera de Artes Visuales en la Secretaria De Cultura Jalisco. Así también ha participado en talleres de creación con diferentes artistas como José Luis Sanchez Rull, Efraín Bartolome, entre otros. Ha tenido exposiciones en diferentes galerías: Alianza Francesa (Guadalajara, Jal. Mexico), Casa Mexi Barcelona (Barcelona España), Galería Central (Zapopan, Jal. Mexico). Y algunas presentaciones en museos: MUPAG (Guadalajara, Jal. México), Museo De Artes de Zacatecas, MURA (Guadalajara, Jal. México).
Actualmente trabaja en su taller ubicado en Tonalá Jal. México.
Son of a blacksmith father and a pastry maker mother; with approaches to goldsmithing and automotive mechanics (cra!s present in the family) are elements that Iván Estrada anchors to his interest in the arts. Through his work, he proposes a revision in industrial matter and natural objects with which he shows the threads that exist towards art and how these do not limit their possibilities of transformation. His pieces, based on production processes of both fields reveal the physical and visual condition of each element influenced by passages of memory. With a great interest in the ma"er coming and recovering from metallurgy and various mechanical sources, his work reaches two-dimensional basic geometry and opens three-dimensional possibilities. Giving space and opportunity with certain processes to random forms and results to which control does not always have access.
He studied Visual Arts at the Secretary of Culture Jalisco. He has also participated in creative workshops with di#erent artists such as José Luis Sanchez Rull, and Efraín Bartolome, among others. He has had exhibitions in different galleries: Alianza Francesa (Guadalajara, Jal. Mexico), Casa Mexi Barcelona (Barcelona España), and Galería Central (Zapopan, Jal. Mexico). And some presentations in museums: MUPAG (Guadalajara, Jal. Mexico), Zacatecas Museum of Arts, MURA (Guadalajara, Jal. Mexico).
He currently works in his workshop located in Tonalá Jal. Mexico.
La producción de Isa Carrillo se ha definido por una re-lectura de aspectos ocultos o enigmáticos presentes en el inconsciente colectivo, vinculando su trabajo con una visión crítica y empírica de la exploración de mancias o pseudociencias aplicadas a individuos. La atracción por cuestiones ocultas o invisibles que preside su obra comenzó a desarrollarse desde principios de su carrera mediante la combinación de temas referentes al subconsciente presente en la cotidianidad. Mediante la recolección de elementos como archivos personales, fotográficos y material gráfico entre otros, la artista almacena imágenes e información que utiliza posteriormente como catalizadores para desarrollar sus proyectos. De esta manera el punto de partida se convierte en el lugar de unión entre la memoria y el soporte de la obra, proponiendo así un puente hacia lo invisible.
Es egresada de Artes Visuales por parte de la Universidad de Guadalajara. Ha expuesto individual y colectivamente en recintos como Museo Cabañas, Museo Taller Clemente Orozco, Museo de Arte de Zapopan, Museo de la Ciudad de Guadalajara, Museo Raúl Anguiano, Centro Cultural de Arte Moderno en Guadalajara, Museo Diego Rivera Anahuacalli, Ciudad de México y Museo de Pintores en Oaxaca. En Giorgio Cini Foundation, Venecia, Italia, Galería Cuadro22, Chur, Suiza, Bass Museum of Art en Miami, Pomona College Art Museum, Claremont, Estados Unidos, Bessarabska Square, Kiev Ucrania, OVAL, Lingo!o Fiere, Torino, Italia y Bass & Baum Gallery, Londres, Reino Unido, entre otros.
Fue becaria del programa Jóvenes Creadores (2009-2010) por parte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Por el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (2013-2014). En 2014 fue beneficiaria del Programa PROYECTA Jalisco, para la publicación del libro “Fuera de los asuntos del mundo” y de PAOS Residencias, en 2015 por parte de la Secretaría de Cultura de Cultura Jalisco. Obtuvo el Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico (2015-2016). En 2017 ganadora de Social Contract, Izolyatsia. En 2018 llevó a cabo la residencia Abierto-Abierto en Nave Oporto, Madrid y la residencia BAR Project en Barcelona, España. En 2020 ganadora del del Fondo de apoyo MUAC-SOMA. En 2021 fue invitada al programa de residencias artísticas de Casa Wabi, Oaxaca. Actualmente es parte del Sistema Nacional de Creadores (FONCA).
Isa Carrillo’s work has been defined by research of hidden and enigmatic aspects of the collective unconscious and a connection to a critical and empirical vision of pseudosciences applied to individuals. Her interest in hidden or invisible phenomena began to develop at the start of her career by combining themes referring to the subconscious present in everyday life. Through the collection of elements such as personal files, photographs, and graphic material among others, the artist stores images and information that she later uses as catalysts to develop her projects. In this way, the point of departure becomes the place of union between memory and form thus proposing a bridge towards the invisible.
She graduated in Visual Arts from the University of Guadalajara. She has exhibited individually and collectively in institutions such as Museo Cabañas, Museo de Arte de Zapopan, Museo Taller Clemente Orozco, Museo de Arte Raúl Anguiano, Centro Cultural de Arte Moderno in Guadalajara, Museo Diego Rivera Anahuacalli, Mexico City and Museo de Pintores in Oaxaca, Mexico. In Giorgio Cini Foundation, Venice, Italy, Cuadro22, Chur, Switzerland, Bass Museum of Art in Miami, Pomona College Art Museum, Claremont, United States and Bessarabska Square, Kiev Ukraine and OVAL, Lingotto Fiere, Turin, Italy, among others.
She received the Jóvenes Creadores grant, (2009-2010) from the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes and the Consejo Estatal para la Cultura y las Artes grant (2013-2014). In 2014, she was a beneficiary of the PROYECTA Jalisco, for the publication of the book “Fuera de los asuntos del mundo” and PAOS Residencies, (2015) from the Secretaría de Cultura de Cultura Jalisco. She obtained the Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico (2015-2016). Winner of Social Contract, Izolyatsia (2017). In 2018 she carried out the artistic residency Abierto-Abierto in Nave Oporto, Madrid, and the residency BAR Project in Fabra i Coats, Barcelona, Spain. In 2020 she won the MUAC-SOMA Support Fund. In 2021 she was invited to the Artists Residency Program in Casa Wabi, Oaxaca. Currently, she is part of the National System of Creators Grant (FONCA) in Mexico.
%20(1).jpg)
La práctica de Jiménez Castillo está influenciada por la intuición, el azar y el uso de su propia biografía. Su trabajo describe con frecuencia la vulnerabilidad humana y examina la identidad y la intimidad. Castillo investiga la producción de imágenes que se inspiran en nuestro inconsciente y las explora en diferentes medios incluyendo coreografía, texto, dibujo y escultura. Su proceso de trabajo puede ser descrito como organizar metódicamente una revelación de su propia realidad y la de los demás mientras juega con las nociones de azar.
Es cofundador y miembro activo del laboratorio de artistas Arrogante Albino, el trabajo de Arrogante podría ser considerado un collage de medios que tiene el cuerpo como su centro de investigación. Castillo también ha colaborado e interpretado con otros artistas en proyectos específicos: Claudia Cisneros (MX), La Compañía Opcional (MX-SP), Alejandro Mendicuti (SP), Tamara Cubas (UY), Lara Brown (SP), Micheangelo Miccolis (MX), Teatro Ojo (MX), Heesoo Agnes Kim (KR).
Jiménez Castillo’s practice is influenced by intuition, chance, and the use of his own biography. His work frequently depicts human vulnerability and examines identity and intimacy. Castillo investigates the production of images that are inspired by our unconscious and explores them in different media including choreography, text, drawing, and sculpture. His work process can be described as methodically organizing an unveiling of his own reality and that of others while playing with notions of chance.
He is a co-founder and active member of the ArroganteAlbino artist lab, Arrogante’s work could be considered a collage of media that has the body as its research center. Castillo also has collaborated and performed with other artists in specific projects: Claudia Cisneros (MX),La Compañía Opcional (MX-SP), Alejandro Mendicuti(SP), Tamara Cubas (UY), Lara Brown (SP), Micheangelo Miccolis (MX), Teatro Ojo (MX), Heesoo Agnes Kim (KR).
.jpg)
Garth Evans es crucial para la historia de la escultura contemporánea británica. Su obra, que de manera constante experimenta con las posibilidades de las dimensiones, peso, material y de la forma, involucra tanto el enfoque formal como el conceptual, centrándose en reconsiderar las posibilidades de la escultura. El sello característico de la larga e importante trayectoria de Evans es la manera en la que constantemente revisa su práctica y rechaza cualquier posición estética que se haya vuelto demasiado cómoda. Este enfoque ha dado origen a una serie de trabajos aparentemente distintos. Para conservar este esfuerzo por cuestionarse a sí mismo a lo largo de su carrera Evans ha tenido que mantener un riguroso nivel intelectual y emocional. Sus intereses actuales en trabajar con nuevos materiales y procesos con el fin de explorar los límites establecidos han dado como resultado esculturas hechas a partir de una amplia gama de materiales, como madera, acero, caucho, cerámica plástica y fibra de vidrio. Para Evans este proceso de exploración es profundamente personal; de acuerdo con el artista gran parte de sus piezas, incluso las más abstractas, son “detonadores y contenedores de recuerdos particularmente identificables”.
Cada una de las piezas de Garth Evans es ambigua, multifacética y completamente original. Toda su obra, sin importar el material, la forma o la técnica de producción, comparte características de una serenidad intangible,
misteriosa y cautivadora.
Desde la década de 1960 Garth Evans ha exhibido a lo largo de el Reino Unido y Estados Unidos, en las influyentes exhibiciones colectivas British Sculpture 72, en Royal Academy of Arts en Londres (1975). En 2013, el artista Richard Deacon curó la exposición retrospectiva de Garth Evans en el Yorkshire Sculpture Park. Su obra ha formado parte de diversas colecciones, como en Tate Gallery en Londres; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Modern Art, New York; Victoria & Albert Museum y The British Museum. Ha recibido 18 reconocimientos incluyendo el prestigioso Guggenheim Fellowship, el premio Pollock-Krasner Foundation y la beca del British Council Exhibitions.
Garth Evans is central to the story of contemporary British sculpture. His work, which consistently experiments with the potential of scale, weight, medium, and form, engages both a formal and conceptual approach, focusing on the process of reconsidering sculptural possibilities. A hallmark of Evans’s long and important career is how he consistently reviews his practice, rejecting any aesthetic position that has become too comfortable. This approach has given rise to a number of apparently distinct bodies of work. Sustaining this self-questioning endeavor throughout his long career has required Evans to maintain an unusual level of intellectual and emotional rigor. His ongoing interest in working with new materials and processes to examine established boundaries has resulted in sculptures made from a diverse range of materials, including wood, steel, rubber, plastic ceramics, and fiberglass. For Evans this process of exploration is deeply personal; he states that many of his works, even when most abstract, are “triggers for and containers of particular identifiable memories.”
Each of Garth Evans’ works is ambiguous, multifaceted, and completely original. All of his works, no ma!er the material, form, and method of production, share qualities of an intangible, mysterious, and beguiling serenity.
Since the 1960s Garth Evans has exhibited widely across the UK and USA, including in the influential Group exhibitions British Sculpture ‘72, Royal Academy of Arts, London (1972) and The Condition of Sculpture, Hayward Gallery, London (1975). In 2013 artist Richard Deacon curated the survey exhibition Garth Evans at Yorkshire Sculpture Park. His work is represented in numerous collections, including Tate, London; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Modern Art, New York; Victoria & Albert Museum and The British Museum. He has received 18 different awards including the prestigious Guggenheim Fellowship, the Pollock-Krasner Foundation Award, and the British Council Exhibitions Abroad Grant.
%20(1).jpg)
El trabajo de Enrique Hernández aborda la pintura desde la multiplicidad de posiciones en torno a lo que constituye hoy una imagen pictórica; las constantes representaciones del paisaje funcionan para hacer mención del entorno y su interpretación, así como cuestionamientos ligados al proceso de su práctica. Propone un análisis del conocimiento y el lenguaje visual, examinando la forma en que nos involucramos y consumimos las imágenes; cuestionando nuestra creación del mundo a través del simulacro desde la economía de la imagen actual, y la manera en que éstas repercuten en la historia y la cultura. El artista abre preguntas fundamentales sobre la naturaleza de la representación.
Realizó diplomados de Historia del Arte, Arte contemporáneo y Filosofía del Arte. Entre sus exposiciones destacan: Traspasar un jardín (el edén enmarañado) (Museo Cabañas, 2023), Affordances (Museo de las artes de la U de G (MUSA), 2022), Silencio-Vacío (Galería Tiro al Blanco, 2022), Panorama (Galería Tiro al Blanco, 2019), Metáfora Absoluta (Ex Convento del Carmen, 2017), Las últimas cosas (Galería Tiro al Blanco, 2014), Sin comiclio fijo (Museo-Taller José Clemente Orozco, 2010), 52+ Paisajes Recientes (Fundación CALOSA, Irapuato, 2016), Reconstrucción, un proyecto de Abraham Cruzvillegas (MAZ, Zapopan, 2016), The Future is Unwritten, Imago Mundi (Colección Benetton. Fundazione Giorgio Cini, Venecia, Italia, 2015), Referencia Cruzada Enrique Hernández y Arturo Soto (Galería Arte TalCual, Ciudad de México, 2012).
Beneficiario de las becas: Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico 2012 (PECDA), Jóvenes Creadores 2008 y 2010, Creadores con trayectoria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes 2011 (FONCA), y Consejo Estatal para la Cultura y las Artes 2013 y 2021 (CECA). Ha recibido premios como LUMEN, 2019, Premio de Pintura José Atanasio Monroy, 2004 y Del Ministerio de Cultura de Jalisco, 2000.
Su obra pertenece a colecciones como la Colección Zarur, la Fundación Calosa, la Colección Luciano Benneton, la Colección Consejo de Cultura y Artes de Jalisco, la Colección SHCP, entre otras.
Es director y fundador, desde enero de 2020, de la Residencia 797. Residencia de pintura sin fines de lucro.
Enrique Hernández’s work approaches painting taking into consideration the multiplicity of positions that exist nowadays regarding the nature of the pictorial image. The constant representations of landscape depict the environment and its interpretations, along with a series of questions on the process that characterizes his artistic practice. The artist proposes an analysis of visual knowledge and language, studying the form in which we are involved with images and how we consume them. Hernández questions the collective creation of the world through the notion of simulacrum and the current economy of images, and how these processes affect history and culture. The artist proposes fundamental questions regarding the nature of representation.
He has a diploma in Art History, Contemporary Art and Philosophy of Art. His exhibitions include: Traspasar un jardín (el edén enmarañado) (Cabañas Museum, 2023), Affordances (University of Guadalajara Art Museum (MUSA), 2022), Silencio-Vacío (Tiro al Blanco Gallery, 2022), Panorama (Tiro al Blanco Gallery, 2019), Metáfora Absoluta (Ex Convento del Carmen, 2017), Las últimas cosas (Tiro al Blanco Gallery, 2014), Sin comicilio fijo (Taller José Clemente Orozco Museum, 2010), 52+ Paisajes Recientes (CALOSA Foundation, Irapuato, 2016), Reconstruction, a project by Abraham Cruzvillegas (MAZ, Zapopan, 2016), The Future is Unwritten, Imago Mundi (Benetton Collection. Fundazione Giorgio Cini, Venice, Italy, 2015), Cross reference Enrique Hernández y Arturo Soto (Galería Arte TalCual, Mexico City, 2012).
Recipient of the following grants: Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA), Jóvenes Creadores 2008 and 2010, Creadores con trayectoria 2011 from the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), and Consejo Estatal para la Cultura y las Artes 2013 and 2021 (CECA). He has received awards such as LUMEN, 2019, José Atanasio Monroy Painting Prize, 2004 and From the Jalisco Ministry of Culture, 2000.
His work belongs to collections such as the Zarur Collection, Calosa Foundation, Luciano Benetton Collection, Jalisco Council for Culture and Arts Collection, SHCP Collection, among others.
He has been the director and founder of the 797 Residence, since January 2020. Non-profit painting residence.
El trabajo de Andrew Jilka pretende buscar consuelo en lo desconocido mientras confronta la inquietud y pesadez de la rutina. Es un intento por reconciliar su cultura “aw-shucks”, franca, Wal-Mart, del medio oeste con el lenguaje de la pintura con P mayúscula. Jilka considera su trabajo una destilación de nerviosismo colectivo, ansiedad y optimismo. Sus composiciones luminosas y coloridas utilizan la ilusión de la lógica y la estabilidad para cuestionar cuál puede ser la relación entre la pintura y la inquietud palpable del presente.
A través de su práctica de pintura, explora las desviaciones que evolucionan en la tradición, cuestionando las estructuras y cimientos que dan información de la vida contemporánea.
Andrew Jilka’s work is about looking for comfort in the unfamiliar while confronting the uneasiness and dread of the routine. It is an attempt to reconcile his “aw-shucks” plainspoken midwestern Wal-Mart culture with the language of capital P Painting. Jilka thinks of his work as a distillation of collective nervousness, anxiety, and optimism. His bright, colorful compositions use the illusion of logic and stability to ask what painting’s relationship can be to the palpable uneasiness of the present.
Through his painting practice, he explores the deviations that evolve into tradition, questioning the structures and foundations that inform contemporary life.
